Ruth Kedar

Ruth Kedar: da arquitetura ao ícone do Google, uma jornada de arte e inovação no design

Luca Moreira
23 Min Read
Ruth Kedar

Ruth Kedar, a designer brasileira responsável pelo logotipo original do Google, é uma figura notável na interseção de arte, design e tecnologia. Nascida em Campinas em 1955, Kedar emigrou para Israel na adolescência antes de se mudar para os Estados Unidos, onde sua carreira tomou um rumo inesperado. Graduada em Arquitetura pelo Instituto de Tecnologia de Israel e mestre em Artes Plásticas pela Universidade de Stanford, ela explorou as fronteiras do design gráfico, culminando em um projeto que mudaria sua vida e a identidade visual de uma das maiores empresas de tecnologia do mundo.

Durante seus estudos em Stanford, Kedar foi pioneira na utilização de tecnologias emergentes, o que a levou a ser contratada pela Adobe Systems. Seu trabalho no Adobe Deck, um baralho promocional para o Adobe Illustrator, destacou-se pela inovação e adaptabilidade do software, ajudando a superar o ceticismo inicial dos designers quanto à perda da originalidade em suas obras. Este projeto não só consolidou seu nome no campo do design gráfico, mas também pavimentou o caminho para futuros empreendimentos.

No final dos anos 90, enquanto lecionava na Universidade de Stanford, Kedar foi abordada por Larry Page e Sergey Brin, que na época estavam no processo de fundar o Google. Eles precisavam de um logotipo que transmitisse a visão única e criativa da empresa, diferenciando-se de outros motores de busca. Com um design que combinava simplicidade com um toque de diversão, Kedar não apenas atendeu a essa demanda, mas também criou um ícone cultural que se mantém relevante na era digital.

Ruth, você se mudou para Israel na véspera do seu 16º aniversário. Como essa mudança impactou sua vida e carreira no design?

Meus planos para o 16º aniversário tomaram um rumo dramático quando a oferta de emprego prestigiada do meu pai na Universidade de Tel Aviv apareceu na mesa. Deixar amigos, família, tudo o que era familiar e meus sonhos para trás não estava exatamente nos meus planos. (Para dizer o mínimo!) Uma nova língua com um alfabeto desconhecido, uma cultura cheia de costumes que eu não entendia – tudo parecia um grande desastre e, pior, eu não tinha controle sobre isso.

Mas, ao chegar, tive uma escolha: agarrar-me à comunidade de expatriados brasileiros ou mergulhar na nova cultura. Escolhi a última, priorizando dominar o hebraico, que acreditava ser a chave para me expressar e perseguir meus sonhos.

No entanto, navegar pelo ensino médio sem nenhum conhecimento prévio de hebraico não foi fácil e a fluência não aconteceu da noite para o dia. Sentindo-me isolada, comecei a reler alguns dos meus livros favoritos em seus idiomas originais – espanhol, francês e inglês. Embora eu não fosse fluente em nenhum deles, as histórias familiares e o alfabeto proporcionavam uma base para a compreensão. Cada língua parecia uma nova lente, revelando maneiras fascinantes de manifestar ideias.

Surpreendentemente, essa prática não apenas aumentou minha fluência nesses idiomas, mas também acelerou inesperadamente meu aprendizado de hebraico. E, alimentada por um desejo ardente de alcançar meus objetivos e pura determinação, consegui me formar no ensino médio e garantir uma cobiçada vaga no prestigiado programa de Arquitetura do Technion.

Nunca esperava que viver em uma nova cultura abriria meus olhos para uma nova perspectiva de vida, modos de expressão e maneiras de se mover no mundo, e que essa experiência me transformaria em uma observadora perspicaz, fomentando uma curiosidade profunda sobretudo ao meu redor. Desafiou-me a abraçar a abertura e a me libertar de padrões de pensamento limitados.

Essas lutas iniciais, em retrospectiva, tornaram-se passos inestimáveis. A capacidade de “ouvir” com todos os meus sentidos, a abertura para novas experiências – esses são ativos que adquiri ao longo do caminho e que continuam a enriquecer e informar tanto minha vida pessoal quanto profissional.

Apesar de passar grande parte da sua vida fora do Brasil, você nasceu em Campinas, São Paulo, e acabou alcançando grande sucesso nos Estados Unidos. Quais são suas principais dicas para os jovens que também sonham em construir uma carreira e ter um futuro no exterior?

Aprendi que construir uma vida no exterior transcende a mera fluência no idioma. Trata-se de mergulhar de cabeça no coração de uma nova cultura – entender seu povo, suas maneiras únicas de pensar e os ritmos não ditos de interação. Trata-se de aprender a navegar por um mundo completamente novo sem perder de vista suas próprias raízes ou sacrificar sua identidade. Seja aberto e curioso sobre o que a nova cultura oferece, abrace os ajustes inevitáveis e, o mais importante, construa relacionamentos. A integração social é crucial em um novo ambiente.

Quanto à construção de uma carreira, há muitas opções, mas se você puder e estiver disposto a investir a longo prazo, considere matricular-se em um programa escolar. Independentemente de onde você esteja em sua carreira, sempre há terreno fértil para o crescimento. Seja dentro do seu campo, explorando áreas relacionadas ou até mesmo dando um salto completo em uma nova direção, a vida escolar oferece um ambiente único. É uma chance de aprofundar seu conhecimento, mergulhar em seu campo escolhido e expandir seu conjunto de habilidades e expertise. Também é uma plataforma de lançamento para construir sua rede – conectando-se com indivíduos de mente semelhante que compartilham suas paixões e aspirações. E, como um bônus, você pode usar esse tempo para reavaliar seu caminho de carreira e explorar caminhos imprevistos.

Lembre-se, isso não é uma fórmula mágica para sucesso garantido na carreira. No entanto, é um caminho seguro para o crescimento pessoal, experiências enriquecedoras e uma vida repleta de potencial.

No Technion, você se formou em Arquitetura. O que motivou sua transição da arquitetura para o design gráfico?

Embora minha educação no Technion tenha se centrado na arquitetura, encontrei-me cada vez mais atraída pelo mundo do design, particularmente pelo campo emergente dos gráficos arquitetônicos. Diferente de hoje, os conceitos de experiência do usuário não faziam parte de nenhum currículo. Os arquitetos certamente visavam espaços utilizáveis, mas a acessibilidade para edifícios públicos muitas vezes deixava a desejar. Imagine navegar por um aeroporto, shopping ou hospital sem sinalização clara para banheiros, portões de embarque ou consultórios médicos.

Essa falta de foco acendeu uma paixão dentro de mim. Inspirada por um livro da Graphics Press sobre gráficos arquitetônicos (“Archigraphia”), imaginei criar linguagens visuais que traduzissem planos arquitetônicos em espaços verdadeiramente utilizáveis. Após a formatura, procurei tanto empresas de arquitetura quanto de design gráfico em Israel, ansiosa para preencher a lacuna entre as duas disciplinas. Infelizmente, minha visão não foi prontamente compreendida na época.

Desapontada, mas não desanimada, consegui uma reunião com um grande empreiteiro privado conhecido por desenvolver grandes projetos públicos. Armada com pura paixão e meu exemplar de Archigraphia, convenci-o a me dar uma chance, apesar da minha falta de experiência. Isso resultou em um projeto piloto que se tornou o trampolim para o lançamento do meu próprio estúdio – Total Design (o nome talvez sendo um pouco presunçoso em retrospectiva!).

Nos cinco anos seguintes, aperfeiçoei minhas habilidades criando sistemas gráficos arquitetônicos para uma ampla gama de projetos – aeroportos, shoppings, centros de convenções e grandes desenvolvimentos residenciais. Sendo autodidata e guiada pela intuição, cada vez mais ansiava por uma educação formal em design. Essa realização me levou a buscar um mestrado em design.

A natureza interdisciplinar única do programa conjunto de Stanford entre os departamentos de Arte e Engenharia particularmente me atraiu. Oferecia o ambiente perfeito para mergulhar no design de forma holística, abraçando tanto os princípios estéticos quanto os utilitários para resolver problemas complexos.

Seu projeto de mestrado em Stanford envolveu a criação de um baralho de cartas. Pode nos contar mais sobre essa experiência e como isso influenciou sua carreira?

Cartas de baralho sempre me fascinaram. Elas são um único produto com um milhão de usos, apreciadas por pessoas de todas as idades e origens. Imagine um jogo ao redor da mesa da cozinha, uma noite de pôquer de alto risco ou até mesmo uma sessão de leitura de fortuna com um baralho de cartas – as possibilidades são infinitas!

Essa fascinação, juntamente com a oportunidade única de dedicar um ano inteiro a um único tópico, alimentou meu mergulho profundo na rica história e evolução do design de cartas de baralho através das culturas. Foi uma experiência enriquecedora, que me empurrou a explorar e experimentar vários conceitos de design. Essa jornada culminou na criação de três baralhos de cartas inovadores, um testemunho do poder da exploração do design.

Grande parte da minha exploração ocorreu em um Macintosh original conectado a uma impressora matricial. Consegui hackeá-la para imprimir cores e criar gráficos que expandiram os limites do que ela poderia fazer. Minha dedicação em expandir os limites chamou a atenção de um professor familiarizado com a então inovadora linguagem PostScript da Adobe. Foi ele quem me conectou com a Adobe.

Lá, conheci Russell Brown, um diretor criativo. Ele estava lidando com um dilema interessante: os próprios designers temiam que o Adobe Illustrator, um novo software revolucionário projetado especificamente para eles, pudesse levar a estilos de design homogeneizados.

Essa preocupação gerou a ideia para o projeto Adobe Deck. Com o Illustrator prestes a ser lançado no show Comdex em Las Vegas, inicialmente me pediram para desenhar todo o baralho sozinha. No entanto, vi uma oportunidade de mostrar melhor o poder do Illustrator. Propus um baralho colaborativo: quatro designers, cada um com um estilo distinto, seriam designados a um naipe diferente de cartas. Essa abordagem demonstraria a capacidade do Illustrator de atender a diversas visões e estilos criativos.

O projeto foi um grande sucesso. O Adobe Deck, com seus designs de naipes visualmente impressionantes e diversos, não apenas promoveu a inovação no design e revolucionou a indústria, mas também abriu portas para mim na Adobe. Meu envolvimento começou com o design de manuais para um novo software, o Adobe Photoshop. No final, minhas habilidades de design e abordagem inovadora me levaram a uma posição de diretora de arte na Adobe, onde minha carreira no design realmente decolou.

Você trabalhou no projeto Adobe Deck para promover o Adobe Illustrator. Quais foram os principais desafios e aprendizados desse projeto?

Tivemos que nos tornar especialistas da noite para o dia para não apenas aproveitar todas as suas ferramentas, mas também para visualizar cores, gradientes e camadas baseadas puramente na nossa imaginação. Imagine trabalhar com o Adobe Illustrator quando tudo o que você tem são linhas na tela, muito longe da interface (muito mais) intuitiva do Illustrator de hoje. Previsões não editáveis e software com bugs exigiam muito tempo gasto em tentativa e erro. Sem mencionar as separações de cores e preparações para pré-impressão, que também tivemos que aprender e fazer nós mesmos.

Essa imersão completa no processo de design foi um verdadeiro teste de paciência e perseverança. Aprendi a confiar no meu instinto, a experimentar sem medo e a encontrar soluções criativas para os problemas técnicos que surgiam. Cada carta que criamos era uma pequena vitória, uma prova do poder do design digital e da inovação.

Além disso, o projeto Adobe Deck me ensinou a importância da colaboração. Trabalhar com outros designers talentosos me mostrou como diferentes perspectivas podem se unir para criar algo verdadeiramente único. Isso foi uma lição valiosa que carreguei comigo ao longo da minha carreira, sempre valorizando o trabalho em equipe e a troca de ideias.

O logotipo do Google é um dos seus trabalhos mais conhecidos. Pode nos contar mais sobre o processo de design desse logotipo icônico?

Desenhar o logotipo do Google foi uma experiência incrivelmente desafiadora e gratificante. Quando fui abordada para criar a identidade visual de uma empresa de tecnologia que na época era relativamente pequena, eu sabia que precisava capturar a essência de inovação, simplicidade e acessibilidade que o Google representava.

O processo começou com uma pesquisa extensa sobre a empresa, seu público e a visão dos fundadores, Larry Page e Sergey Brin. O desafio era criar algo que fosse ao mesmo tempo atemporal e dinâmico, capaz de evoluir com a empresa à medida que ela crescia.

Passei por muitas iterações, explorando diferentes tipografias, cores e formas. Uma das principais direções foi manter o logotipo simples e legível, mas com um toque de personalidade. As cores primárias, combinadas de uma maneira que quebrasse a expectativa, representavam a abordagem não convencional do Google. A escolha de uma tipografia serifada conferia uma sensação de confiabilidade e estabilidade.

Ao longo do processo, a colaboração com a equipe do Google foi crucial. Eles foram muito abertos ao diálogo e dispostos a explorar diferentes possibilidades, o que permitiu uma criação realmente colaborativa e bem-sucedida. O resultado final foi um logotipo que não apenas se tornou icônico, mas também evoluiu com o tempo, mantendo sua essência original.

Essa experiência solidificou minha crença na importância da pesquisa, da iteração e da colaboração no design. Cada detalhe, por menor que seja, contribui para o impacto geral de uma identidade visual, e trabalhar no logotipo do Google foi um exemplo claro disso.

Como professora na Universidade de Stanford, o que você mais gostou de ensinar aos seus alunos?

Ensinar na Universidade de Stanford foi uma experiência incrivelmente gratificante. O que mais gostei de transmitir aos meus alunos foi a importância da criatividade e da inovação no design. Queria que eles entendessem que o design não é apenas sobre estética, mas também sobre resolver problemas e melhorar a vida das pessoas.

Incentivei meus alunos a pensar fora da caixa, a experimentar sem medo de errar e a abraçar a interseção entre tecnologia e design. Também enfatizei a importância da pesquisa e da compreensão profunda do público-alvo em cada projeto.

Ver meus alunos crescerem e desenvolverem suas próprias vozes como designers foi uma das maiores recompensas do meu tempo como professora. Muitos deles seguiram carreiras impressionantes e continuam a inovar e a contribuir para o campo do design, o que me enche de orgulho.

Durante seu período como professor na Universidade de Stanford, quais foram os principais ensinamentos que você passou aos seus alunos e como isso influenciou o seu trabalho?

Durante minha gestão em Stanford, tive como objetivo despertar a curiosidade em meus alunos e promover o crescimento, apresentando-lhes estes princípios fundamentais:

  • Abrace a mente do iniciante: Cada projeto, independentemente da familiaridade, apresenta oportunidades para abordar cada um com curiosidade infantil, pronto para aprender algo novo.
  • Confie no Processo: Seja paciente com o processo criativo, mesmo quando parecer
  • Abrace a queima lenta – ela pode levar a avanços que você nunca imaginou.
  • Mantenha a porta aberta: Feedback, acaso e até mesmo reviravoltas inesperadas podem ser seus maiores aliados. Abrace essas coisas e deixe-as guiá-lo para caminhos ocultos
  • Faça amizade com seu medo: O medo é um companheiro constante em qualquer jornada criativa, para novatos e veteranos Aprenda a fazer amizade com ele. O medo pode ser um catalisador para a assunção de riscos, empurrando-o para novas fronteiras. É um lembrete de que todos nós estamos trabalhando em andamento e que a humildade alimenta o crescimento genuíno.

Embora promover o crescimento dos alunos fosse meu foco principal, a experiência também foi incrivelmente gratificante para mim. Ensinar me ensinou a ouvir e a ter mais empatia com as lutas dos outros em seu processo de design. Isso, por sua vez, me tornou um gerente, colaborador e designer melhor.

Você também é conhecida por seus projetos de baralhos de cartas premiados. Pode nos falar mais sobre esses projetos e o que eles representam para você?

Meus projetos de baralhos de cartas foram uma das empreitadas mais divertidas e criativas da minha carreira. Tudo começou como um projeto pessoal durante meu mestrado em Stanford, onde criei um baralho chamado “Sticks and Stones”. Este baralho combinava elementos de design gráfico com a funcionalidade lúdica das cartas, resultando em um produto que era tanto uma peça de arte quanto um objeto utilitário.

O sucesso desse primeiro projeto me inspirou a continuar explorando o design de baralhos. Cada novo baralho que criei foi uma oportunidade de experimentar com diferentes estilos artísticos, tipografias e técnicas de impressão. Esses projetos me permitiram expressar minha criatividade de maneiras que outros trabalhos não permitiam, e sempre me senti livre para quebrar as regras e explorar novas ideias.

Para mim, os baralhos de cartas representam a interseção perfeita entre arte e design. Eles são pequenos objetos que as pessoas podem segurar, colecionar e usar em suas vidas cotidianas, trazendo beleza e funcionalidade juntas. Além disso, ganhar reconhecimento por esses projetos em competições e festivais foi uma validação maravilhosa do meu trabalho e uma motivação para continuar criando.

Qual é o seu processo criativo e como você supera os desafios de expressar ideias complexas através do design?

Meu processo criativo começa sempre com a pesquisa e a compreensão profunda do problema que estou tentando resolver. Eu gasto muito tempo explorando o contexto, o público-alvo e as limitações do projeto. Isso me ajuda a formular um briefing claro e a estabelecer os objetivos do design.

A partir daí, passo para a fase de brainstorming e geração de ideias. Tento explorar o máximo de direções possíveis, sem me preocupar com a viabilidade inicial. Essa fase é sobre liberar a criatividade e considerar todas as possibilidades.

Uma vez que tenho um conjunto de ideias, começo a refiná-las e a testar as melhores opções. Isso envolve muita iteração, feedback de colegas e experimentação com diferentes abordagens. A parte mais difícil geralmente é simplificar a ideia até sua essência, garantindo que a mensagem seja clara e impactante.

Para superar os desafios, confio muito no feedback e na colaboração. Compartilhar meu trabalho com outras pessoas e receber suas opiniões me ajuda a ver pontos cegos e a melhorar o design. Além disso, a prática constante e a disposição para aprender com os erros são fundamentais para continuar evoluindo como designer.

No final, meu objetivo é sempre criar algo que não só resolva o problema, mas também ressoe emocionalmente com o público. Acredito que o design mais eficaz é aquele que combina funcionalidade e beleza, proporcionando uma experiência memorável e significativa.

Acompanhe Ruth Kedar no Instagram

TAGGED:
Share this Article