Chris Tootell é um talentoso animador cuja história na indústria da animação começou aos 16 anos por acaso, enquanto buscava experiência em cinema e televisão. Sua entrada no mundo da animação stop-motion ocorreu ao ter a oportunidade de testar animação em um estúdio próximo de sua casa, uma experiência que o levou ao universo da televisão infantil como animador.
Destacando seu papel crucial em “Coraline” (2009), filme que marcou a Laika Studios, Tootell descreveu suas gravações como emocionantes e inspiradoras. O filme representou um desafio e uma responsabilidade enormes, dada a qualidade do material original e a expectativa de produzir algo excepcional.
Falando sobre as diferenças entre animações para televisão e filmes, Tootell destacou a importância do tempo disponível. Enquanto na TV há uma pressão por produção mais rápida, nos filmes, há espaço para uma abordagem mais detalhada, resultando em performances mais complexas e detalhadas.
Ao abordar a percepção de que filmes de animação são voltados principalmente para o público infantojuvenil, ele mencionou “Anomalisa” (2015) como exemplo de um filme que abordou temas complexos e emocionais, com foco na psicologia dos personagens. A experiência de Tootell com diretores renomados, como Tim Burton em “A Noiva Cadáver” (2005) e Guilhermo del Toro em “Pinóquio”, foi marcada por admiração e um ambiente de colaboração criativa.
Questionado sobre uma cena memorável que animou, ele destacou uma cena em “Pinóquio” e a sequência da ‘Prisão Fantasma’ em “Coraline”, ressaltando a dificuldade técnica e o orgulho em alcançar resultados satisfatórios. Para Tootell, o legado como cineasta está na capacidade de inspirar gerações futuras, mantendo-se orgulhoso do trabalho realizado e esperançoso para o futuro da animação stop-motion na indústria cinematográfica.
É um fato de que a animação stop-motion, além de ser um trabalho bastante meticuloso, devido a toda sua técnica feita a mão, é uma técnica que fascina fãs de cinema do mundo todo. O que mais o atrai para trabalhar com esse estilo de filme?
Toda animação me fascina, a capacidade de manipular imagens em movimento para criar ação é uma alegria. Minha entrada na animação stop motion foi mais por acaso. Quando, aos 16 anos, estava buscando experiência de trabalho em cinema e televisão, por coincidência, havia um estúdio de stop motion perto de onde eu cresci e eu lutei para conseguir algum tempo lá. Depois de 4 semanas varrendo o chão e fazendo chá, tive a chance de testar animação e foi esse teste que me conseguiu meu primeiro trabalho animando na televisão infantil. O stop motion tem uma qualidade tátil para o espectador que considero não apenas esteticamente agradável, mas também evoca algo na plateia que ajuda a se relacionar com o personagem. Também é muito satisfatório, do ponto de vista do criador, trabalhar com objetos reais e dar vida a eles.
Além de vários sucessos que possuem sua própria essência, um dos filmes que mais foi responsável por fazer a Laika Studios se tornar conhecida mundialmente foi “Coraline” de 2009, dirigido pelo consagrado Henry Selick. Como era o cotidiano das gravações e como foi integrar a equipe desse que veio a ser o maior filme stop-motion já produzido até então?
Coraline foi o segundo filme em que já trabalhei e o processo foi uma alegria completa. Havia tantas pessoas incrivelmente talentosas nesse filme e muitas estavam no auge de seu trabalho, produzindo um trabalho tão bonito. Foi inspirador para mim fazer parte disso. A responsabilidade era enorme porque Henry esperava muito de seus animadores, além disso, era o primeiro longa-metragem da Laika e eles tinham muito em jogo para que fosse o melhor artisticamente e tecnicamente possível. A equipe tinha uma mentalidade de equipe real e se sentia orgulhosa e honrada de estar lá, já que o material original de Neil Gaiman era tão bom. Foi um ótimo projeto.
Durante a sua carreira, você já trabalhou tanto com televisão como em produções cinematográficas. Nesses casos, existem muitas diferenças de animação ao trabalhar para os dois formatos?
O processo é em grande parte o mesmo, mas o resultado é muito diferente simplesmente devido ao tempo e recursos disponíveis para o trabalho. Geralmente, há mais dinheiro disponível para a produção de um filme uma vez que o filme recebe luz verde, enquanto na televisão há tanta competição que os orçamentos são reduzidos para poder competir. Do ponto de vista de um animador, o tempo é o que frequentemente resulta em um resultado mais satisfatório. Normalmente, em um programa de TV, espera-se que um animador faça 12 segundos de animação por dia, enquanto em um filme são mais ou menos 2 segundos. Isso significa um dia inteiro para filmar 50 frames, o que permite uma abordagem muito detalhada no movimento, resultando frequentemente em uma melhor caracterização e, consequentemente, uma melhor performance. No entanto, muitos programas de TV usam alguns atalhos excelentes, muitas vezes no design, para facilitar um bom trabalho em um período mais curto.
Existe uma visão um pouco “viciada” de que se diz sempre que filmes de animação são sempre um produto mais dedicado ao público infantojuvenil, principalmente no que se diz sobre seus enredos, porém, uma produção que chamou muita atenção foi “Anomalisa” (2015). Muito se elogiou a respeito do realismo que esse filme trouxe em seu resultado. Poderia comentar um pouco sobre a experiência de trabalhar nesse projeto?
Anomalisa foi minha primeira produção em Los Angeles e eu havia me mudado de Portland, Oregon, e da Laika para obter mais experiência em outros estúdios. A Starburns, o estúdio que fez Anomalisa, era um centro de criatividade naquela época. Muitos membros da equipe de diferentes origens foram reunidos para criar esse filme lindo e estranho. As conversas estavam muito mais relacionadas ao estado mental dos personagens do que qualquer outra coisa; a animação estava muito centrada em onde os personagens estavam mental e emocionalmente, em vez de características amplas para distingui-los uns dos outros. Era muito mais sobre compreender e retratar o estado atual, frequentemente mutável, de cada personagem. O trabalho foi difícil de uma maneira completamente diferente do que eu havia encontrado anteriormente. A atuação foi colocada acima da motivação normal de produzir uma animação “bonita” ou suave.
Além do Henry Selick, você teve a oportunidade de trabalhar com vários outros diretores de sucesso e que tem seus trabalhos reconhecidos no mundo inteiro, como foi o caso de Tim Burton em “A Noiva Cadáver” (2005) e Guilherme del Toro em “Pinóquio”. Nesse caso, não só a experiência de se trabalhar com produções grandiosas, como a recepção do público chega até vocês que estão trabalhando por trás das câmeras?
É interessante como frequentemente a equipe por trás das câmeras não busca atenção do público. A maioria de nós faz esse tipo de trabalho porque ama o processo e adora trabalhar com outros artistas. Tive a sorte de ir à estreia em Londres de Pinóquio e foi divertido, cheio de brilho e glamour, com uma ótima festa depois. Del Toro atrai muita admiração de seus fãs e eles estavam lá em peso, foi bom ver. Especialmente para um filme que levou tantos anos para chegar à telona.
Existe alguma cena que você tenha animado e que realmente tenha o mercado afetuosamente durante o seu trabalho?
Eu animei uma cena em Pinóquio onde Grilo e Gepeto têm uma conversa sincera nas ruínas do parque de diversões e decidem ir atrás de Pinóquio. Quando Del Toro estava me dirigindo, ele falava sobre os processos mentais de Gepeto enquanto ele ouve Grilo falar. O desafio tornou-se sobre como retratar efetivamente um personagem ‘ouvindo’. Isso foi difícil, mas acho que conseguimos levar essa cena a um lugar muito bom e estou orgulhoso da minha contribuição. Há também a sequência da ‘Prisão Fantasma’ em Coraline, quando a Outra Mãe tranca Coraline e ela encontra as crianças fantasmas. Olhando para trás, embora haja algumas partes ásperas no movimento, sinto que fiz um bom trabalho mantendo aquela sequência dentro dos limites de uma atuação realista e uma sensação de outro mundo.
Uma das coisas que muitas pessoas dizem sobre a arte, é que ela realmente se torna algo imortal – as gerações irão passar, pessoas vão viver e morrer, porém, nossas produções continuarão aqui. Como cineasta, qual você acredita ser o seu maior legado para o mundo?
É ótimo sentir orgulho do que já foi feito e manter a esperança para o que está por vir. Sua contribuição nos filmes e programas em que trabalhou é significativa, e é reconfortante saber que o trabalho de todos os artistas envolvidos continuará a inspirar as gerações futuras, da mesma forma que os filmes que você viu na infância o inspiraram a aprender a fazer filmes. O ciclo de inspiração é poderoso e duradouro!
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