O Film Fest LA trouxe destaque especial ao cineasta Dr. John Neal, que apresentou ao público seu longa de terror Coral, uma produção que combina atmosfera intensa, suspense psicológico e elementos sobrenaturais que surpreenderam a plateia. O filme, exibido no bloco Kash Hovey and Friends, reafirmou o talento de Neal para construir narrativas inquietantes e visualmente marcantes.
O impacto foi tão forte que o trailer oficial de CORAL – The Haunted Assignment, também fruto do trabalho de Neal, conquistou o prêmio de Melhor Trailer de Terror, consolidando o cineasta como uma das vozes mais promissoras do terror independente.
A noite ainda contou com a exibição de The Haunted Assignment, estrelado por Ayla Rae Neal, Charlie Townsend, Reese Herron, Jaime Adler e Jax Malcolm, reforçando o alcance colaborativo e familiar de seus projetos. Neal demonstrou mais uma vez sua habilidade em trabalhar com jovens talentos, construir tensão dramática e entregar histórias com apelo emocional e sensorial.
Com sua abordagem cinematográfica que dialoga com misticismo, medo e vulnerabilidade humana, Dr. John Neal segue expandindo seu lugar no gênero. O Film Fest LA celebrou não apenas um diretor, mas uma assinatura artística em evolução — capaz de provocar, envolver e assombrar.
Coral – The Haunted Assignment venceu o prêmio de Melhor Trailer de Terror no festival. Qual foi a faísca original por trás de uma história que mistura assombração, investigação e juventude?
O conceito de vingança surgiu como tema central depois de testemunhar inúmeros casos em que crianças perderam a vida por razões que permaneciam obscuras. Essas experiências levantaram questões profundas sobre as motivações de pais e responsáveis que cometeram atos inimagináveis contra os próprios filhos. A natureza perturbadora dessas tragédias despertou um forte desejo de explorar não apenas os elementos sobrenaturais da história, mas também as forças e emoções que levam alguém a extremos tão devastadores.
O terror muitas vezes reflete medos coletivos. Qual medo você mais quis explorar neste filme — o medo do desconhecido, do controle, da memória, da perda?
Neste filme, eu quis explorar o medo do desconhecido. A história mergulha profundamente nas ansiedades que surgem quando as pessoas enfrentam situações ou forças que não conseguem compreender ou prever totalmente. Ao colocar esse medo fundamental no centro da narrativa, o filme convida o público a confrontar as emoções inquietantes que aparecem quando a certeza dá lugar à ambiguidade — e quando elementos misteriosos ou sobrenaturais desfocam limites que pareciam familiares. Esse foco no desconhecido permeia os aspectos de assombração, investigação e juventude da trama, intensificando a ressonância emocional e o impacto psicológico para o espectador.
O elenco inclui Ayla Rae Neal, Charlie Townsend, Reese Herron, Jaime Adler e Jax Malcolm. Quais qualidades você procurou em jovens atores para que o terror fosse mais emocional do que apenas visual?
Ao selecionar os jovens atores para o filme, houve uma grande ênfase em encontrar pessoas capazes de trazer realismo às interpretações. Era essencial que cada ator realmente se conectasse com seu personagem e transmitisse emoções autênticas na tela. Essa entrega emocional foi crucial para que os elementos de terror fossem impactantes e críveis, indo além dos sustos visuais e criando uma experiência mais profunda para o público.
Além disso, era importante que os jovens tivessem uma noção realista de como seria interagir com o sobrenatural. A capacidade deles de retratar de forma convincente as reações diante do outro lado adicionou uma camada de credibilidade à história, envolvendo ainda mais os espectadores na atmosfera assombrada e investigativa do filme.
O terror moderno abraça cada vez mais a profundidade psicológica. Em Coral, existe algum trauma central ou questão não resolvida que impulsiona a narrativa?
No coração de Coral existe um trauma profundo: uma criança que foi traída justamente por quem ela mais confiava. Essa ferida fundamental funciona como o motor emocional da narrativa, influenciando tanto a atmosfera assombrada quanto a jornada investigativa que se desenrola ao longo do filme. Os elementos sobrenaturais estão entrelaçados com a dor causada por essa traição, criando uma exploração marcante de perda, confiança e do impacto duradouro de um trauma não resolvido. Ao focar nessa experiência central, o filme convida o público a refletir sobre as consequências de uma violação de confiança tão profunda — especialmente dentro do contexto da infância e do desconhecido.
Você transita entre educação e cinema. Como cineasta com formação educacional, esses mundos colidem ou se fortalecem quando você cria histórias sobrenaturais?
Acredito que os mundos da educação e do cinema se fortalecem de maneiras muito significativas. A educação oferece ferramentas essenciais que permitem ao cineasta explorar temas com maior profundidade e complexidade. Essa base possibilita a criação de histórias mais ricas e que ressoam de forma mais profunda com o público.
Ao aplicar conhecimentos educacionais, posso criar narrativas que envolvem o espectador em múltiplos níveis. A capacidade de mergulhar fundo em temas e ideias resulta em filmes mais imersivos e intelectualmente estimulantes. Assim, o público experimenta uma história que é ao mesmo tempo divertida e provocadora, aumentando seu envolvimento com o filme.
Alguns diretores dizem que filmar cenas assustadoras é mais divertido do que assustador. Qual foi o momento mais intenso ou inesperado no set?
Entre os muitos momentos carregados de emoção durante as filmagens, o mais intenso e inesperado ocorreu quando Coral confrontou seu pai sobre o fato de ele não ter conseguido protegê-la das atitudes prejudiciais da mãe. Essa cena crucial exigiu uma troca crua e honesta entre os personagens, elevando a tensão psicológica e o peso emocional para o elenco e a equipe.
A interpelação de Coral não foi apenas um confronto; foi um acerto de contas com a traição e a vulnerabilidade, reforçando os temas centrais de confiança e trauma que percorrem todo o filme. A atmosfera no set mudou perceptivelmente quando os atores se entregaram emocionalmente à complexidade da cena, destacando o impacto poderoso de um conflito familiar não resolvido dentro da narrativa.
Seu filme estreou em um festival que celebra vozes independentes. O que significa para você trazer uma história como essa para a tela em um momento tão complexo do mundo?
Trazer essa história para a tela tem um significado profundo para mim. Acredito ser essencial contar histórias como esta, especialmente quando refletem experiências que muitas crianças vivem em silêncio. Com frequência, quando eventos difíceis acontecem na vida dos jovens, suas vozes não são ouvidas.
Com este filme, procurei mudar essa narrativa, oferecendo um espaço para que essas vozes fossem expressas. Ao colocar o ponto de vista de uma criança no centro da história e dos desafios que ela enfrenta, o filme dá voz àqueles que geralmente passam despercebidos, garantindo que suas vivências sejam vistas e reconhecidas pelo público. Esse ato de contar histórias não apenas ilumina essas dificuldades como também reforça a importância de ouvir e empoderar as crianças por meio do cinema.
