Neste verão, a artista indie Effie Spence consolida sua posição como uma das vozes mais instigantes da cena criativa, ao transitar com talento e autenticidade pelo teatro, cinema e literatura. Escritora, diretora, atriz e produtora, ela apresenta dois espetáculos no Fringe Theatre Festival — incluindo o solo Actorholics Anonymous, que aborda os altos e baixos da vida nas artes — e prepara a estreia da série documental Motherlands, que explora identidade e herança cultural. Com o curta Le Petit Saint em festivais e o livro de poesias A Bloody Mess recém-lançado na Amazon, Effie vive um momento decisivo em sua carreira, unindo feminilidade, vulnerabilidade e uma estética poética marcante em todos os projetos.
Você tem uma presença intensa e multifacetada no teatro, cinema e literatura. Como consegue equilibrar essas diferentes formas de expressão artística mantendo sua autenticidade em cada uma delas?
Obrigada! Acho que ter começado como atriz realmente me ajudou. Depois de receber possivelmente milhares de “nãos”, criei uma casca grossa justamente por sempre voltar ao treinamento e aprender a confiar no meu talento e na minha ética de trabalho. Acho que também ter pessoas ao meu redor que nunca me desencorajam faz uma diferença enorme. Eu tenho uma ideia maluca e nenhuma das minhas amigas me faz sentir louca ou como se eu estivesse sonhando alto demais; todas só pensam em como podemos nos apoiar para chegar lá. Acho que também desenvolvi um nível de (e isso vai soar piegas, mas é importante para todas nós) amor-próprio e perdão. Às vezes, ter tantas formas de expressão pode parecer esmagador, como se eu não estivesse me comprometendo o suficiente e devesse focar em algo só, mas no fundo eu sei que preciso confiar no processo e entender que tudo tem seu próprio tempo.
Seu solo show Actorholics Anonymous aborda o custo emocional da vida nas artes. O que você gostaria que as pessoas entendessem sobre essa realidade dos bastidores?
Eu adoro essa pergunta, ela realmente vai ao coração da peça. É uma sátira tragicômica, mas o cerne dela é que eu pessoalmente me senti como uma viciada perseguindo essa carreira. Perdi amigas, perdi aniversários de sobrinhos, causei atritos na família, cheguei a pegar dinheiro emprestado de forma errada para alimentar minha necessidade de fazer mais uma aula de atuação — a lista de paralelos é longa. Então o que eu quero que as pessoas entendam é que você pode mirar nas estrelas sem precisar se perder no caminho. Hollywood tem uma das culturas de “hustle” mais tóxicas e muita gente está exausta. Quero que as pessoas saibam que o melhor papel que podem interpretar é o de si mesmas, que não precisam depender de validação externa. A gente ouve o tempo todo que, para “conseguir”, tem que encontrar o próprio branding, ser autêntica, etc., mas ninguém conta como essa jornada pode ser difícil até você perceber o quão simples na verdade é: fazer o que te faz feliz.
Ao criar Motherlands, uma série documental sobre família e identidade, quais desafios emocionais e criativos você enfrentou ao mergulhar tão fundo nessas histórias pessoais?
Por onde começar! Ser grega é algo lindo, mas há muita vergonha, medo e culpa que foram passados por gerações. A criação de Motherlands poderia ser um filme à parte, honestamente. É uma ideia tão especial que eu estava disposta a abrir mão de tudo por ela — e foi o que eu fiz. Criei durante um período particularmente difícil da minha vida e carreira. Sentia que nada andava, que o sonho americano que meus pais viveram parecia impossível de alcançar e que eu estava no trem errado. O que me manteve forte foi a visão que eu tinha de mim mesma, com um vestido de linho, filmando na Grécia. Abri mão do meu apartamento confortável e barato em Burbank para conseguir ficar tanto tempo na Grécia e usei fundos pessoais que nem tinha na época para realizar o projeto. Voltar ao vilarejo da minha mãe sempre traz alegria, mas no dia em que comprei a passagem para a Grécia, minha avó paterna faleceu. Sentia essa pressão enorme de concluir esse trabalho antes que fosse tarde demais, antes que as mulheres e a sabedoria que eu precisava capturar se perdessem. Por sorte, da última vez que estive na Grécia, entrevistei minha avó por diversão, então tenho algumas imagens dela. Criativamente, foi uma grande lição em como defender o que quero como cineasta. Fui abençoada com minha produtora, Anna Engel, que ajudou a transformar o conceito em realidade em dois meses e apoia muito o meu jeito mais experimental de filmar. Lembro que poucos dias antes de viajar, meu instinto me disse que eu não queria trabalhar com certa diretora de fotografia, que era ótima, mas simplesmente senti que não era a pessoa certa. Em vez de surtar, a Anna me ajudou a redirecionar, dizendo que filmaria ela mesma, no iPhone se fosse preciso. E como o destino quis, o Instagram me apresentou uma nova amiga que era uma diretora de fotografia incrível (Christiana Charalambous), que topou o projeto. Ela foi uma bênção. Teve momento em que membros da minha família na Grécia ficaram receosos de aparecer na câmera — como eu disse, a vergonha ainda é grande, e o país ainda é bastante patriarcal, onde mulheres mais velhas não podiam ter opiniões fortes sem “envergonhar a família”. Foi um prazer garantir a cada uma que o filme queria preservar sua beleza, sabedoria e nossa cultura. Eu até usava um pouco da “culpa grega”, dizendo: “pensem nas crianças, nos meus filhos do futuro, que vão querer ouvir suas histórias”, e então elas nos recebiam com entrevista, café e alguma comida deliciosa.
Seu curta Le Petit Saint foi descrito como lírico e poético. Como você mistura cinema e poesia para envolver o público em uma experiência sensorial?
Le Petit Saint é o meu filme mais “narrativo”, mas nem assim escapou do meu amor pelo realismo mágico e por dobrar o tempo. É baseado na vida e obra de Albertine Sarrazin, uma autora francesa que morreu jovem depois de uma vida fascinante de pequenos crimes e obras escritas na prisão. Para capturar o estilo dela, o filme precisava ser lírico. Ela tinha um senso de humor incrível e uma realidade meio dividida, então quis transmitir isso. Eu não me preocupo muito se o público entende tudo o que está na tela, me preocupo se sentem algo. A poesia é assim também: às vezes leio uma revista de poesia e penso: “não faço ideia do que ela quis dizer, mas que bonito.” Espero que o filme cause isso nas pessoas. Acho que é mais fácil se conectar com um personagem quando ele é sentido mais do que explicado.
Seu livro de poesias A Bloody Mess explora temas como vulnerabilidade e resiliência de forma crua. Como você usa a escrita para processar suas próprias emoções e transformá-las em arte?
A Bloody Mess nasceu de uma prática pessoal de escrever poesia durante o ciclo menstrual como forma de lidar. Em vez de diário, eu escrevia poesia porque meu corpo estava tão presente nas dores e sensações que minha mente se abria para imagens e conexões diferentes. Depois li um livro chamado Wild Power, que mudou completamente minha relação com meu útero. Isso virou meu “mestrado” em como contar histórias sob o que chamo de olhar feminino. A pergunta passa a ser: como posso abordar esta história a partir do ponto em que estou no meu ciclo? Posso biohackear meu ciclo para criar de um lugar mais autêntico? Por exemplo, escrevo poesia quando estou menstruada, mas mando e-mails importantes na ovulação, e na TPM só faço pilates e tomo banho bem quente. Escrever ajuda qualquer um a processar emoções. Às vezes minhas melhores poesias saem de textos que escrevo sem pensar. Depois, vejo entre as lamúrias uma linha brilhante e dali expando o conceito. E, uma vez escrito, aquele sentimento tem um lar no papel, e posso seguir em frente.
Você desenvolveu uma metodologia própria que incorpora sonhos, narrativas não lineares e trabalho somático. Como essa abordagem muda a forma como você cria e conta histórias?
Como já comentei, esse olhar feminino também envolve sonhos, narrativas não lineares e trabalho somático. Por exemplo, quando estava em pré-produção de Motherlands, precisei dançar o episódio piloto enquanto falava sobre ele. Por mais que eu ame escrever, precisamos de métodos diferentes para entrar na essência da obra. O conceito de Motherlands veio de um sonho/visão. Não tenho medo de parecer mística ao dizer que venho de uma longa linhagem de videntes, dos dois lados da família. Estava meditando e vi a imagem de mim mesma, de vestido de linho na Grécia, com uma câmera — e ali senti o espírito do projeto. Meu processo foi escrever poesia sobre minha avó, dançar, ir para a Grécia para ser grega de novo e focar no fluxo, não no resultado. Muita gente mais “tipo A” teria dificuldade de trabalhar comigo porque nos meus sets quase nada está rigidamente planejado. Minha metodologia é uma ponte entre o prático (escrever, dançar, brincar) e o mágico (sonhar, manifestar, confiar).
Sua produtora Pixie Logic abraça uma visão não hierárquica do cinema, especialmente pelo olhar feminino. Como isso influencia o impacto das suas obras no público?
Ser atriz na indústria me influenciou muito a querer uma produtora onde todos são tratados com igualdade. Até hoje, quando me apresento como cineasta, recebo mais respeito do que quando digo que sou atriz. Muitas vezes recebi um elogio atravessado do tipo: “Ah, claro, não surpreende,” de um jeito meio… ruim. Com a Pixie Logic, quero que todos sejam apoiados em seus objetivos. Eu e minha parceira Stefani Rose Lah somos boas nesse equilíbrio. Já fomos codiretoras, depois ela foi minha AD, depois eu fui AD dela, e agora voltamos a codirigir minha peça. Uma produtora que foca na história e não nos egos faz obras melhores. A lente feminina nos ajuda porque nos faz usar a intuição e entender o estado emocional, cíclico e energético de todos para trabalharmos melhor.
Considerando suas raízes gregas e influências como Yorgos Lanthimos e Sofia Coppola, como você mistura essas referências para criar algo que seja só seu e ao mesmo tempo universal?
Não tenho vergonha de dizer que copio as grandes, até porque meu filme Le Petit Saint tem um momento com bolha, tipo Poor Things, e eu filmei antes do Yorgos, então quem sabe ele me copiou? (risos) Acho que todo artista bebe dos que o inspiram até alinhar maturidade, gosto e acesso aos seus próprios objetivos. Minha diferença é que meu objetivo final sempre é lembrar que a vida é linda e que merecemos ser felizes. Meu nome em grego significa algo como “bom humor” e “bem falada”, então quero que minhas obras sejam belas, grotescas, exageradas, mas que façam as pessoas se sentirem bem. Enquanto Yorgos abriu caminho para o surrealismo grego e Sofia trouxe o feminino delicado, eu quero criar a “Femme Weird Wave”, o estranho no sentido original de mágico. Meu trabalho é universal porque sempre pergunta: “como vivemos bem?” E o caminho até lá é a parte divertida.
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