Entre duas propostas simultâneas, o ator Lucas Miranda escolheu o caminho que o reconectaria às suas origens e recusou um papel em outra emissora para estrelar Pedro em Vermelho Sangue, nova série de suspense e fantasia do Globoplay, que estreou no dia 2 de outubro. Escrita por Rosane Svartman — autora de sucessos como Vai na Fé e Totalmente Demais —, a produção marca a estreia de Lucas no streaming da Globo e apresenta uma trama que mistura o real e o sobrenatural, com vampiros, lobisomens e dramas humanos ambientados no interior do país.
Natural de Minas Gerais, Lucas vê o papel como um reencontro com suas raízes — tanto pelo sotaque quanto pela ambientação da série — e celebra a chance de integrar um elenco estrelado que inclui Rodrigo Lombardi, Alanis Guillen e Milhem Cortaz. Além da atuação, o artista segue envolvido com a música e o teatro, conciliando as gravações com o lançamento de seu EP Força Invisível e o espetáculo infantil Do Começo ao Fim, no Rio de Janeiro.
Você mencionou que precisou “reaprender a falar como na infância”. Como foi esse processo de redescobrir o seu próprio sotaque — algo que antes pediam para esconder — e transformá-lo agora em ferramenta de expressão artística?
Sim, eu precisei reaprender a falar como na infância. Esse processo de resgate do sotaque foi uma delícia, muito único — um trabalho que eu nunca tinha feito antes. Nesse processo de redescoberta, eu viajei, voltei para minha terra, Oberlândia, conversei com meus avós, com meus amigos e realmente liguei a escuta, a consciência, para perceber como as pessoas da minha cidade falam — as expressões, as gírias, as melodias da fala.
Muitas vezes isso fica no automático, mas quando a gente está em um trabalho como esse, a percepção fica mais aguçada. Foi isso que tentei fazer na construção do personagem Pedro, e foi muito importante pra mim. Acho que é essencial para o nosso audiovisual contar essas histórias e permitir que o Brasil também se ouça no sotaque interiorano, no sotaque do sertão, do cerrado brasileiro. Foi muito divertido e me senti muito feliz redescobrindo o meu sotaque.
Entre duas propostas importantes, você escolheu aquela que te reconectava com suas origens. O que essa decisão te ensinou sobre propósito e pertencimento dentro da carreira artística?
Essa decisão de aceitar um trabalho que me reconectava com as minhas origens, em detrimento de outro projeto também muito relevante para a minha carreira, veio do coração. Eu escolhi Vermelho Sangue porque senti que estava mais alinhado com a minha verdade e com o que eu quero representar na minha trajetória — a minha mensagem e o lugar de onde eu vim.
Acredito que, quando a gente se conecta com as próprias raízes, consegue se comunicar melhor com o mundo e chegar mais próximo das nossas metas e propósitos de vida. Desde pequeno, sempre sonhei em viajar pelo Brasil e pelo mundo, filmando, contando histórias e aprendendo.
Essa construção de personagem foi muito rica, justamente porque me tirou da zona de conforto. Eu gosto desses desafios — e esse, em especial, foi um retorno às origens, às essências. Muitas vezes a vida adulta nos afasta disso, principalmente quando saímos da nossa cidade natal e vamos viver nas grandes metrópoles, como foi o meu caso. Então, esse retorno foi crucial e muito importante para mim, tanto pessoalmente quanto profissionalmente.
“Vermelho Sangue” mistura suspense e fantasia num cenário interiorano, algo ainda raro no audiovisual nacional. Como foi para você viver um personagem dentro desse universo místico, mas com um “pé no chão” tão brasileiro?
Viver o Pedro, que está imerso nesse universo místico, mas ao mesmo tempo leva uma vida pacata, foi um desafio maravilhoso e instigante. O Pedro representa muito o cotidiano mineiro, e o nosso núcleo na série aterrava esse universo sobrenatural — o que é crucial na dramaturgia, porque traz identificação com o público e impede que a história fique inatingível.
Quando a gente mostra o cotidiano local — o cafezinho mineiro, a cachaçinha, o cigarro de palha, o lobo-guará, ícone do cerrado —, a gente aproxima o público. Caso contrário, poderia ficar algo muito “hollywoodiano”, como nas histórias de vampiros e lobisomens.
Trazer esses elementos da cultura brasileira torna tudo mais original e aconchegante. Fazer parte disso foi uma alegria imensa pra mim.
Você falou sobre o conselho do Rodrigo Lombardi — de “começar do zero” a cada experiência. Como essa visão influenciou o modo como você encara os seus próprios processos de criação?
O meu processo de criação é muito de fora para dentro. Primeiro, penso em como o personagem anda, qual é o corpo dele, o olhar, os trejeitos, como ele encara a vida, o ambiente onde está inserido. Só depois começo a explorar as camadas interiores — o que ele sente, seus medos, sonhos e objetivos.
Gosto muito de trabalhar assim, e um conselho que ouvi do Rodrigo Lombardi no set me marcou: “Antes de entrar em cena, esquece as técnicas. Deixa tudo de lado, abre a escuta e vai se divertir.”
Isso me trouxe mais segurança. É natural ficar nervoso no set, especialmente na primeira experiência profissional — são muitas pessoas, muita pressão. Mas é um paradoxo: na hora de atuar, é preciso abandonar o racional e deixar a criança interior assumir. Esse conselho do Lombardi foi realmente especial.
Além da voz e da mente, o corpo também foi transformado para o papel. O que mais te marcou fisicamente ou emocionalmente nesse processo de se “moldar” para ser o Pedro?
Pode parecer besteira, mas acredito que isso influencia muito. Além das cenas de ação, que exigiram bastante fisicamente — sol forte, clima seco do cerrado —, o que mais me marcou foi o simples fato de comer a comidinha mineira de novo, passar 40 dias em Minas Gerais, tomar uma cachaçinha…
O Pedro gostava de fumar um cigarro de palha, e tudo isso influenciou muito na vivência do personagem. Comer uma feijoada mineira, por exemplo, muda a forma como o corpo se comporta — e isso vai pra cena. Esse tipo de vivência traz veracidade e credibilidade ao universo retratado.
Curiosamente, percebo hoje que muita coisa que vivi pessoalmente naquela época refletiu no personagem. Frustrações amorosas, rejeições, decepções — sentimentos que o Pedro também experimentava.
Na época, eu não tinha consciência disso, mas vendo o resultado na tela, percebo como isso deu uma camada muito verdadeira e interessante ao personagem. Acho que o público, especialmente quem me conhece, vai perceber isso.
Seu EP Força Invisível fala sobre autoestima, espiritualidade e superação. Esses temas também te acompanham como ator? Há um ponto onde a música e a atuação se encontram dentro de você?
Temas como autoestima, espiritualidade e superação me acompanham não só como ator, mas como ser humano. São assuntos que estou sempre investigando, sobre os quais gosto de falar, escrever e criar.
Recentemente, uma entrevistadora me perguntou o que eu gosto mais — música ou atuação — e eu respondi que seria como perguntar a uma mãe de dois filhos qual ela ama mais. É impossível escolher, porque as duas são partes do meu ser e se complementam.
Acredito que um bom ator se constrói pelos livros que lê, pelas conversas que tem, pelos lugares por onde passa, pelos cheiros, sabores, encontros e despedidas.
Eu me refaço e me reinvento todos os dias como ator. Quanto melhor sou como pessoa, cantor e performer, melhor me torno como artista — plural e multifacetado, como me considero.
Sair de um universo sombrio como o de Vermelho Sangue para o teatro infantil em Do Começo ao Fim é uma virada e tanto. Que lições esse contraste te trouxe sobre o poder da arte em diferentes públicos?
Com certeza estou vivendo uma grande virada na minha vida. Saí de uma série sombria, com vampiros e lobisomens, fui para uma peça infantil e agora estou indo para uma comédia.
Isso é um verdadeiro presente para qualquer artista, porque transitar por estilos diferentes engrandece o trabalho e amplia as ferramentas criativas.
A arte tem esse poder — o riso transforma tanto quanto o medo. Cada público é tocado de um jeito, e ambos provocam reflexão.
O espetáculo infantil, por exemplo, me fez resgatar minha criança interior. Assim como na comédia, o foco não é “fazer graça”, mas trazer a verdade da vida. Uma boa comédia nasce de um bom drama.
Estou vivendo um momento muito especial: voltar ao teatro, estrear no streaming, receber novos fãs e ver pessoas conhecendo o meu trabalho. Espero que isso abra muitas portas e que mais gente possa acompanhar essa nova fase.
Você disse que quer mostrar “de onde veio, a sua mensagem e a sua essência”. Se pudesse resumir essa essência em uma palavra ou sensação, qual seria — e como espera que o público a perceba nas suas próximas histórias?
Sim, quero muito mostrar de onde eu vim, a minha mensagem e a minha essência.
Se eu pudesse resumir em três palavras, seriam: humildade, simplicidade e coragem.
Esses são os valores que aprendi e levo comigo — ser honesto, trabalhar sem passar por cima de ninguém, fazer o certo pelo certo e esperar pacientemente as coisas acontecerem.
A essência do meu trabalho é sobre respeito, amorosidade, conexão com o outro, com o meio ambiente, com os animais e com as pessoas.
Sou um artista plural, criado em meio à música e à diversidade artística, e quero que isso transpareça no que faço.
Quero que as pessoas vejam em mim alguém honesto, humilde e com muita vontade de trabalhar, de contar histórias — brasileiras e do mundo todo. Já tive o privilégio de conhecer muitos países, e cada experiência moldou quem eu sou hoje.
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