O diretor Evan Matthews apresenta no Julien Dubuque International Film Festival 2025 o longa-metragem Motherland, uma obra distópica estrelada por Miriam Silverman, Néstor Carbonell, Holland Taylor e Emily Arancio. O filme provoca reflexões ao retratar uma realidade alternativa onde o Estado assume a criação das crianças, retirando dos pais esse papel essencial. Com um elenco de peso e uma abordagem ousada, Motherland levanta debates profundos sobre liberdade individual, responsabilidade familiar e o futuro da sociedade.
Em Motherland , você apresenta um mundo onde o Estado cuida das crianças. De onde surgiu essa ideia provocativa e como ela evoluiu para um roteiro?
A ideia surgiu da roteirista Nicole Roewe e de seu estudo sobre a Rússia pós-bolchevique, onde uma sociedade experimental semelhante foi tentada por 10 anos. No fim das contas, o programa fracassou devido a um declínio populacional catastrófico. Mas ela se perguntou o que aconteceria se essa sociedade experimental fosse criada nos Estados Unidos e durasse quase 100 anos. Foi um experimento mental divertido, encenado dramaticamente por uma das guardiãs de elite da sociedade, Cora , interpretada pela vencedora do Tony Award, Miriam Silverman.
Você dirige um elenco com nomes como Miriam Silverman e Holland Taylor. Como foi o processo de direção em um filme que exige tanto emocionalmente dos atores?
Para dizer o mínimo, não foi fácil. Tínhamos a circunstância única de ser o único filme em produção em toda a Costa Leste devido à greve de roteiristas e atores . Isso nos impediu de ter um ensaio típico. Ou mesmo uma leitura de mesa com qualquer um dos atores. Devido à falta de habilidade para me preparar com meu elenco e criar laços com eles, tive que passar muito mais tempo em um ensaio de direção no set antes do ensaio de bloqueio e, então, eventualmente, filmar de verdade. Isso é especialmente difícil em uma filmagem de filme independente, onde você tem recursos limitados e muito pouco tempo para realizar qualquer coisa devido ao orçamento, disponibilidade de atores e restrições de locação. Às vezes, passávamos de 30 a 40 minutos em um ensaio de direção, o que é absolutamente inédito , mas eu sabia que se não tivéssemos tempo para acertar, estaríamos lutando para salvar a alma do filme na pós-produção . Eu e o elenco tivemos que descobrir as principais características e motivações dos personagens que fizessem sentido para o arco deles, e então acompanhar isso adequadamente ao longo do filme. Tenho muita sorte de ter um elenco tão veterano, talentoso e condecorado como Miriam Silverman (vencedora do Tony Award), Holland Taylor (vencedora do Emmy Award) e Néstor Carbonell (vencedor do Emmy Award). Eles têm instintos maravilhosos e são altamente colaborativos, e é divertido dedicar nosso tempo, porque é isso que os atores realmente querem e precisam, e isso me deu a capacidade de trabalhar, explorar e construir confiança com eles. Além disso, me permitiu aprender como eles trabalham (sua técnica ou método preferido). Se você não cria um espaço seguro para os atores darem o seu melhor, todos começam a se isolar, proteger suas performances e se salvar, e então você não colabora e todos seguem em direções diferentes , e eu queria evitar esse cenário. Felizmente, com a ajuda de Pat McCorkle e dos produtores, reunimos um elenco incrível. Zinnia, interpretada pela estreante Emily Arancio, também trouxe um talento incrível para a tela. Espero que o mundo veja mais dela.
O mundo distópico do seu filme parece assustadoramente próximo da realidade. Que reflexão você quer provocar no público?
Eu acho que para um mundo distópico de ficção científica realmente criar raízes na mente do público, é Tem que ser próximo da realidade, perigosamente próximo ao ponto em que parece um conto de advertência. Acredito que quando fazemos o trabalho direito e criamos um mundo que as pessoas conseguem deixar ir e para o qual escapam, na verdade não preciso fazer nenhum prefácio. Das reações do público que tive até agora, que foram extremamente positivas, as pessoas estão segurando seus próprios espelhos para este mundo e se vendo nele ou vendo reflexos do mundo real, do que poderia ter sido e quão perigosamente próximos poderíamos estar de uma situação de pátria. O que é particularmente satisfatório é como as pessoas têm uma gama variada de interpretações dos temas do filme e do que ele significa para elas. E é disso que se tratam os filmes! Se você for a um museu e olhar para uma obra-prima de 500 anos , o artista não está mais lá para lhe dizer do que se trata a pintura. Pode haver uma placa com um pouco do contexto da época em que foi criada. Caso contrário, cabe ao espectador interpretar o que está sentindo com base no que está vendo. Acho que o melhor de Motherland é que ele desafia o espectador a pensar, sentir e sair com uma sensação avassaladora de liberdade e esperança no futuro. Há um efeito catártico agudo para quem vivenciou Motherland .
O Julien Dubuque IFF é conhecido por abraçar narrativas ousadas. O que significa para você apresentar Motherland nesse contexto?
Ah, isso significa muito para mim. O JDIFF está no meu radar há muito tempo, então me sinto incrivelmente lisonjeado e grato por poder exibi-lo lá. Você começa a fazer um filme e tem um plano e uma estratégia para atingir todos esses momentos e momentos emocionais e contar uma ótima história que impacta outros seres humanos e explora sua humanidade, e saber que a Motherland fez isso pelos programadores do JDIFF simplesmente me emocionou. Mal posso esperar para chegar lá e compartilhar o filme com o povo maravilhoso de Iowa.
O design visual e sonoro do filme transmite uma sensação de controle e desconforto. Como você concebeu esses elementos para complementar o tema central?
Meu objetivo inicial era manipular o público o máximo humanamente possível: emocionalmente, visualmente e audivelmente. Como o mundo lida principalmente com sistemas de controle para manter a sociedade funcionando, eu queria que os visuais realmente impactassem o público em um nível subconsciente, com o sufocamento das cores, o ambiente, as paredes e a impossibilidade de estar em espaços abertos e ter qualquer sensação de liberdade real ou acesso à natureza. Mesmo nos quadros iniciais do filme, você é forçado a ver o mundo através das lentes de Cora , o que limita o enquadramento. É somente na metade do filme, quando Cora descobre a estufa, que começamos a nos conectar com a natureza e a retornar ao mundo, à ordem correta da humanidade e àquilo que nos atrai principalmente. Quando fazemos isso no filme, é uma ação muito deliberada de permitir que as cores reais da natureza e as cores reais do mundo cheguem aos olhos do público pela primeira vez, de modo que seja intensamente belo e visualmente agradável, e deve criar em nós um desejo de gravitar de volta para a natureza e para uma ordem primordial das coisas. E, claro, isso inclui a maternidade. Imagine escapar da caverna de Platão e então reunir a coragem de voltar para a caverna para resgatar os outros depois de ter seus olhos abertos e escapado por pouco em primeiro lugar… a paisagem sonora do filme opera de maneira muito semelhante, garantindo que criemos este mundo onde aquelas coisas atrás das paredes o forçam para dentro e o prendem nesses espaços. Há certos momentos no filme em que você pensa que está escapando do efeito Pátria , mas tudo é produzido. São todas ferramentas de manipulação do mundo da Pátria. Mas há a trilha sonora da qual gosto particularmente. É uma das minhas partes favoritas da produção cinematográfica. Trabalhar com Jackson Greenberg na trilha sonora foi um processo incrível. Consideramos muitos compositores durante a pré-produção e quando ouvi o trabalho de Jackson e seu som etéreo e trabalho de respiração experimental, eu sabia que encontraríamos a vibração perfeita para o mundo de Motherland através dele. Porque há tantas mulheres que sofreram neste mundo e ficaram sem voz no passado , eu queria usar a trilha sonora e a respiração difícil dessas mulheres para nos assombrar um pouco e como um público para dizer ok, há uma corrente oculta deste mundo sendo escondida de nós. Isso realmente toca nos instintos primitivos da nossa heroína, Cora, que é algo universal com o qual o público pode se identificar; aquela voz dentro de nós está gritando ou berrando ou tentando chamar nossa atenção… É isso que a trilha sonora está fazendo neste mundo e então podemos usá-la em momentos específicos para nos abrir e sermos belos para aqueles grandes momentos esperançosos e gratificantes, quase como se libertássemos almas do passado e as mandássemos para casa.
O que você espera que o público leve consigo depois de assistir ao filme e participar das discussões no festival?
Espero mesmo que o público do JDIFF saia emocionado e esperançoso. É claro que o filme precisa entreter, e de fato entretém, mas, pelas exibições que tivemos até agora, fiquei impressionado com a permanência de Motherland na mente das pessoas e como ele continua a gerar discussões entre si e comigo, e com essas intensas sessões de perguntas e respostas após o filme. E como o JDIFF tem um público tão entusiasmado e apaixonado por cinema, espero que tenhamos outra exploração maravilhosa do mundo de Motherland e do que foi necessário para fazer este filme. A experiência tem sido, até agora, que as pessoas estão se espelhando no filme, estão se vendo refletidas nele de uma forma ou de outra. Percebi que muitas pessoas foram emocionalmente impactadas pelo filme, especialmente pelas atuações de nível internacional, e todos veem algo diferente nele com o qual se identificam, e acho isso absolutamente incrível e é exatamente por isso que quero fazer filmes como este. Você se conecta com as pessoas de diversas maneiras, mas, no fim das contas, tudo se resume a ser humano e desejar uma vida melhor para nós mesmos e para as pessoas que amamos. E Motherland nos mostra como.
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